El arte como propaganda política , la ideologización en los museos, vaivenes que provocan que algunos cuadros pasen de considerarse iconos a ser desterrados en los almacenes… ¿Les suena? La descolonización de las colecciones museísticas, la obsesiva petición de un cuadro, pese a que todos los informes técnicos desaconsejan su traslado; colecciones de museos moldeadas por los gustos (y tendencias políticas) de sus directores… Pero no es algo nuevo. Los Papas y los monarcas, los nobles y los poderosos, han usado el arte a lo largo de la historia como arma política y de propaganda. Noticia relacionada fototexto No No Adivina la edad de los selfis del Prado José Antonio GuerreroEs el caso que nos ocupa. El Prado inaugura un nuevo formato expositivo, ‘Una obra, una historia’ : una muestra de pequeño formato en la que se hace una revisión crítica de alguna pieza que encierra una gran historia. Era el sueño de Umberto Eco, quien imaginaba un museo ideal dedicado a una sola obra. Miguel Falomir, director del Prado, explica que el objetivo de este nuevo proyecto es «invitar al espectador a contemplar una obra que, más allá de sus méritos estéticos, nos ayuda a reflexionar sobre aspectos de la historia del arte que a menudo pasan inadvertidos». Recreación del ‘salón tercero’ del Prado en 1819, con el cuadro de Aparicio a la derecha de la imagen. Museo del PradoSe inaugura con ‘El año del hambre en Madrid’ (1818), de José Aparicio . Un cuadro que regresa, hasta el 13 de septiembre, al Prado, donde ha sido restaurado. Se exhibe en la sala 66 del edificio Villanueva sobre un fondo color salvia (el que tenía cuando colgaba del museo). A un lado, la sala de las pinturas negras de Goya. Al otro, el espacio donde cuelgan ‘El 2 y el 3 de mayo’, de este artista. Los comisarios del proyecto son Carlos G. Navarro y Celia Guilarte, ambos del Prado, que han llevado a cabo una exhaustiva labor de investigación. Elogiado de forma desmesurada en la prensa, fue objeto de poemas y canciones y gozó de una enorme popularidadSe trata de un monumental óleo sobre lienzo (315 por 437 centímetros), que llegó a ser una de las estrellas del museo cuando se inauguró en 1819, junto a otras 310 obras. Ocupaba una de las tres salas (‘salón tercero’ o ‘salón del medio’), frente a ‘La muerte de Viriato’, de José de Madrazo, con quien ahora se reencuentra. En el inventario tras la muerte de Fernando VII, ‘Las Meninas’ se valoraba en 400.000 reales; ‘El cuadro del hambre’, en 60.000;’Los fusilamientos del 3 de mayo’, de Goya, sólo en 8.000. Éste y ‘La carga de los mamelucos’ eran considerados por Madrazo «bosquejos sin mérito artístico» . Elogiado en la prensa de la época con loas desmesuradas por parte de la crítica, la pintura de Aparicio fue objeto de poemas y canciones y gozó de una enorme popularidad: se vendían como churros las estampas con sus reproducciones. Era conocido como ‘El cuadro del hambre’. Pero « pasó de la cúspide del Parnaso a ser expulsado del Prado» , advierte Miguel Falomir. Según el director del Prado, «no miramos inocentemente un cuadro». Hay todo tipo de condicionamientos: personales, sociales, políticos, modas… El cuadro pasó a considerarse una caricatura. En 1874 se trasladó al Ministerio de Fomento y, tras su paso por los pasillos del Senado en 1881, llegó en 1898 al Museo de Arte Moderno. Se halla depositado en el Museo de Historia de Madrid desde 1927. Noticia relacionada reportaje No No Cartas a Nickie El cuadro del hambre José F. Peláez¿Qué ocurrió para que un cuadro tan celebrado cayera en desgracia? Aparicio pintó en él la hambruna que asoló Madrid en 1811-12, durante la invasión napoleónica. En la escena, que tiene lugar en unos soportales cerca de la Plaza Mayor, vemos a un grupo de personas famélicas que rechazan el pan ofrecido por los soldados franceses. Una mujer yace muerta junto a su hijo. El tema central es la resistencia ante el invasor. Fue un peaje ideológico impuesto por Fernando VII y su régimen absolutista. «No aparece en la escena el monarca, pero está más presente que nunca», dice Guilarte, que considera este cuadro «el primer icono pop». En una de las pilastras de la composición aparece una inscripción en letras doradas: ‘Constancia española. Años del hambre de 1811 y 1812. Nada sin Fernando’. El cuadro fue concebido como un instrumento de propaganda al servicio del Rey, un artefacto político para legitimar a Fernando VII y mostrar fidelidad al monarca, propietario de la colección del museo. Pero las cosas cambiaron en 1872, cuando se anexionaron a los fondos del museo las colecciones del Museo de la Trinidad y el Prado se nacionalizó. Antonio Gisbert, autor de ‘Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros en las playas de Málaga’, era por entonces director de la pinacoteca. La Revolución liberal de 1868 ya no veía con buenos ojos esa exaltación de Fernando VII y el cuadro de Aparicio se retiró de las salas… y del museo. El gran beneficiado fue Goya, que resurgió del ostracismo. Frente a la adulación de José Aparicio, la ambigüedad lúcida de Goya.Se impuso la denuncia cruda y desgarrada del horror a través de la mirada crítica de Goya Hasta entonces, el aragonés apenas estaba presente en las salas del Prado con algunos de sus retratos. Se imponía la denuncia cruda y desgarrada del horror, a través de la mirada crítica de Goya. Además de algunas estampas de los ‘ Desastres de la guerra’, también cuelgan dos retratos del rey pintados por Goya, ambos del Prado: ‘Fernando VII con manto real’ y ‘Fernando VII en un campamento’. En ellos, el Rey aparece rígido, distante, autoritario. El arte como propaganda política , la ideologización en los museos, vaivenes que provocan que algunos cuadros pasen de considerarse iconos a ser desterrados en los almacenes… ¿Les suena? La descolonización de las colecciones museísticas, la obsesiva petición de un cuadro, pese a que todos los informes técnicos desaconsejan su traslado; colecciones de museos moldeadas por los gustos (y tendencias políticas) de sus directores… Pero no es algo nuevo. Los Papas y los monarcas, los nobles y los poderosos, han usado el arte a lo largo de la historia como arma política y de propaganda. Noticia relacionada fototexto No No Adivina la edad de los selfis del Prado José Antonio GuerreroEs el caso que nos ocupa. El Prado inaugura un nuevo formato expositivo, ‘Una obra, una historia’ : una muestra de pequeño formato en la que se hace una revisión crítica de alguna pieza que encierra una gran historia. Era el sueño de Umberto Eco, quien imaginaba un museo ideal dedicado a una sola obra. Miguel Falomir, director del Prado, explica que el objetivo de este nuevo proyecto es «invitar al espectador a contemplar una obra que, más allá de sus méritos estéticos, nos ayuda a reflexionar sobre aspectos de la historia del arte que a menudo pasan inadvertidos». Recreación del ‘salón tercero’ del Prado en 1819, con el cuadro de Aparicio a la derecha de la imagen. Museo del PradoSe inaugura con ‘El año del hambre en Madrid’ (1818), de José Aparicio . Un cuadro que regresa, hasta el 13 de septiembre, al Prado, donde ha sido restaurado. Se exhibe en la sala 66 del edificio Villanueva sobre un fondo color salvia (el que tenía cuando colgaba del museo). A un lado, la sala de las pinturas negras de Goya. Al otro, el espacio donde cuelgan ‘El 2 y el 3 de mayo’, de este artista. Los comisarios del proyecto son Carlos G. Navarro y Celia Guilarte, ambos del Prado, que han llevado a cabo una exhaustiva labor de investigación. Elogiado de forma desmesurada en la prensa, fue objeto de poemas y canciones y gozó de una enorme popularidadSe trata de un monumental óleo sobre lienzo (315 por 437 centímetros), que llegó a ser una de las estrellas del museo cuando se inauguró en 1819, junto a otras 310 obras. Ocupaba una de las tres salas (‘salón tercero’ o ‘salón del medio’), frente a ‘La muerte de Viriato’, de José de Madrazo, con quien ahora se reencuentra. En el inventario tras la muerte de Fernando VII, ‘Las Meninas’ se valoraba en 400.000 reales; ‘El cuadro del hambre’, en 60.000;’Los fusilamientos del 3 de mayo’, de Goya, sólo en 8.000. Éste y ‘La carga de los mamelucos’ eran considerados por Madrazo «bosquejos sin mérito artístico» . Elogiado en la prensa de la época con loas desmesuradas por parte de la crítica, la pintura de Aparicio fue objeto de poemas y canciones y gozó de una enorme popularidad: se vendían como churros las estampas con sus reproducciones. Era conocido como ‘El cuadro del hambre’. Pero « pasó de la cúspide del Parnaso a ser expulsado del Prado» , advierte Miguel Falomir. Según el director del Prado, «no miramos inocentemente un cuadro». Hay todo tipo de condicionamientos: personales, sociales, políticos, modas… El cuadro pasó a considerarse una caricatura. En 1874 se trasladó al Ministerio de Fomento y, tras su paso por los pasillos del Senado en 1881, llegó en 1898 al Museo de Arte Moderno. Se halla depositado en el Museo de Historia de Madrid desde 1927. Noticia relacionada reportaje No No Cartas a Nickie El cuadro del hambre José F. Peláez¿Qué ocurrió para que un cuadro tan celebrado cayera en desgracia? Aparicio pintó en él la hambruna que asoló Madrid en 1811-12, durante la invasión napoleónica. En la escena, que tiene lugar en unos soportales cerca de la Plaza Mayor, vemos a un grupo de personas famélicas que rechazan el pan ofrecido por los soldados franceses. Una mujer yace muerta junto a su hijo. El tema central es la resistencia ante el invasor. Fue un peaje ideológico impuesto por Fernando VII y su régimen absolutista. «No aparece en la escena el monarca, pero está más presente que nunca», dice Guilarte, que considera este cuadro «el primer icono pop». En una de las pilastras de la composición aparece una inscripción en letras doradas: ‘Constancia española. Años del hambre de 1811 y 1812. Nada sin Fernando’. El cuadro fue concebido como un instrumento de propaganda al servicio del Rey, un artefacto político para legitimar a Fernando VII y mostrar fidelidad al monarca, propietario de la colección del museo. Pero las cosas cambiaron en 1872, cuando se anexionaron a los fondos del museo las colecciones del Museo de la Trinidad y el Prado se nacionalizó. Antonio Gisbert, autor de ‘Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros en las playas de Málaga’, era por entonces director de la pinacoteca. La Revolución liberal de 1868 ya no veía con buenos ojos esa exaltación de Fernando VII y el cuadro de Aparicio se retiró de las salas… y del museo. El gran beneficiado fue Goya, que resurgió del ostracismo. Frente a la adulación de José Aparicio, la ambigüedad lúcida de Goya.Se impuso la denuncia cruda y desgarrada del horror a través de la mirada crítica de Goya Hasta entonces, el aragonés apenas estaba presente en las salas del Prado con algunos de sus retratos. Se imponía la denuncia cruda y desgarrada del horror, a través de la mirada crítica de Goya. Además de algunas estampas de los ‘ Desastres de la guerra’, también cuelgan dos retratos del rey pintados por Goya, ambos del Prado: ‘Fernando VII con manto real’ y ‘Fernando VII en un campamento’. En ellos, el Rey aparece rígido, distante, autoritario.
El arte como propaganda política, la ideologización en los museos, vaivenes que provocan que algunos cuadros pasen de considerarse iconos a ser desterrados en los almacenes… ¿Les suena? La descolonización de las colecciones museísticas, la obsesiva petición de un cuadro, pese a que todos … los informes técnicos desaconsejan su traslado; colecciones de museos moldeadas por los gustos (y tendencias políticas) de sus directores… Pero no es algo nuevo. Los Papas y los monarcas, los nobles y los poderosos, han usado el arte a lo largo de la historia como arma política y de propaganda.
Es el caso que nos ocupa. El Prado inaugura un nuevo formato expositivo, ‘Una obra, una historia’: una muestra de pequeño formato en la que se hace una revisión crítica de alguna pieza que encierra una gran historia. Era el sueño de Umberto Eco, quien imaginaba un museo ideal dedicado a una sola obra. Miguel Falomir, director del Prado, explica que el objetivo de este nuevo proyecto es «invitar al espectador a contemplar una obra que, más allá de sus méritos estéticos, nos ayuda a reflexionar sobre aspectos de la historia del arte que a menudo pasan inadvertidos».
(Museo del Prado)
Se inaugura con ‘El año del hambre en Madrid’ (1818), de José Aparicio. Un cuadro que regresa, hasta el 13 de septiembre, al Prado, donde ha sido restaurado. Se exhibe en la sala 66 del edificio Villanueva sobre un fondo color salvia (el que tenía cuando colgaba del museo). A un lado, la sala de las pinturas negras de Goya. Al otro, el espacio donde cuelgan ‘El 2 y el 3 de mayo’, de este artista. Los comisarios del proyecto son Carlos G. Navarro y Celia Guilarte, ambos del Prado, que han llevado a cabo una exhaustiva labor de investigación.
Elogiado de forma desmesurada en la prensa, fue objeto de poemas y canciones y gozó de una enorme popularidad
Se trata de un monumental óleo sobre lienzo (315 por 437 centímetros), que llegó a ser una de las estrellas del museo cuando se inauguró en 1819, junto a otras 310 obras. Ocupaba una de las tres salas (‘salón tercero’ o ‘salón del medio’), frente a ‘La muerte de Viriato’, de José de Madrazo, con quien ahora se reencuentra. En el inventario tras la muerte de Fernando VII, ‘Las Meninas’ se valoraba en 400.000 reales; ‘El cuadro del hambre’, en 60.000;’Los fusilamientos del 3 de mayo’, de Goya, sólo en 8.000. Éste y ‘La carga de los mamelucos’ eran considerados por Madrazo «bosquejos sin mérito artístico». Elogiado en la prensa de la época con loas desmesuradas por parte de la crítica, la pintura de Aparicio fue objeto de poemas y canciones y gozó de una enorme popularidad: se vendían como churros las estampas con sus reproducciones. Era conocido como ‘El cuadro del hambre’.
Pero «pasó de la cúspide del Parnaso a ser expulsado del Prado», advierte Miguel Falomir. Según el director del Prado, «no miramos inocentemente un cuadro». Hay todo tipo de condicionamientos: personales, sociales, políticos, modas… El cuadro pasó a considerarse una caricatura. En 1874 se trasladó al Ministerio de Fomento y, tras su paso por los pasillos del Senado en 1881, llegó en 1898 al Museo de Arte Moderno. Se halla depositado en el Museo de Historia de Madrid desde 1927.
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¿Qué ocurrió para que un cuadro tan celebrado cayera en desgracia? Aparicio pintó en él la hambruna que asoló Madrid en 1811-12, durante la invasión napoleónica. En la escena, que tiene lugar en unos soportales cerca de la Plaza Mayor, vemos a un grupo de personas famélicas que rechazan el pan ofrecido por los soldados franceses. Una mujer yace muerta junto a su hijo. El tema central es la resistencia ante el invasor. Fue un peaje ideológico impuesto por Fernando VII y su régimen absolutista. «No aparece en la escena el monarca, pero está más presente que nunca», dice Guilarte, que considera este cuadro «el primer icono pop». En una de las pilastras de la composición aparece una inscripción en letras doradas: ‘Constancia española. Años del hambre de 1811 y 1812. Nada sin Fernando’. El cuadro fue concebido como un instrumento de propaganda al servicio del Rey, un artefacto político para legitimar a Fernando VII y mostrar fidelidad al monarca, propietario de la colección del museo.
Pero las cosas cambiaron en 1872, cuando se anexionaron a los fondos del museo las colecciones del Museo de la Trinidad y el Prado se nacionalizó. Antonio Gisbert, autor de ‘Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros en las playas de Málaga’, era por entonces director de la pinacoteca. La Revolución liberal de 1868 ya no veía con buenos ojos esa exaltación de Fernando VII y el cuadro de Aparicio se retiró de las salas… y del museo. El gran beneficiado fue Goya, que resurgió del ostracismo. Frente a la adulación de José Aparicio, la ambigüedad lúcida de Goya.
Se impuso la denuncia cruda y desgarrada del horror a través de la mirada crítica de Goya
Hasta entonces, el aragonés apenas estaba presente en las salas del Prado con algunos de sus retratos. Se imponía la denuncia cruda y desgarrada del horror, a través de la mirada crítica de Goya. Además de algunas estampas de los ‘Desastres de la guerra’, también cuelgan dos retratos del rey pintados por Goya, ambos del Prado: ‘Fernando VII con manto real’ y ‘Fernando VII en un campamento’. En ellos, el Rey aparece rígido, distante, autoritario.
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